Meet the makers!

Die freischaffende Designerin Anna Badur lebt und arbeitet in Berlin. Nach ihrem Studium an der Design Academy Eindhoven, in der Abteilung für kontextuelles Design, gründete Anna Badur 2013 das nach ihr benannte Designbüro. Im selben Jahr nahm sie in der Porzellanmanufaktur Ćmielów in Polen an einem Gastkünstlerprogramm teil. Badur verliebte sich während dieser Zeit in das Material Porzellan und arbeitet seitdem viel damit. 2015 nahm sie an einem weiteren Gastkünstlerprogramm an der Kahla Porzellan-Manufaktur in Deutschland teil, wodurch eine ständige Kooperation mit der Manufaktur entstand.

Die Arbeiten von Anna Badur sind stark von der Küstenregion ihrer Heimat im Norden Deutschlands beeinflusst. Ihre Erfahrungen mit den dort vorherrschenden unwirtlichen Wetterbedingungen wie Stürmen oder andauerndem Regen und Ebbe und Flut der Nordsee prägen ihre Arbeiten. „[Die Umwelt] besitzt eine melancholische Schönheit, die irgendwie mysteriös und zutiefst banal ist. Diese einzigartige Atmosphäre kann die Empfindung der Einsamkeit hervorrufen, bietet aber den Raum für Poesie und Kreativität", sagt Anna Badur.

Alle Produkte von Anna Badur findst du hier!

Anna Beam ist eigentlich aus Baltimore, lebt aber seit 2013 in London und ist dort Mitbegründerin von "Clay Collective", einer 12-köpfigen Keramikkooperative die ihr Studio in Hackney, im Osten von London, hat.

Annas spielerischen Entwürfe beginnen oft mit einer Fülle von Farben und geschnittenem Papier, bevor sie schließlich zu 3D-Objekten und Musterentwürfen werden. Mit einer Vorgeschichte in der Stickerei konzentriert sich Anna Beams Arbeit auf Collagen und Muster, die sich in Form von Papier, Druckgrafik, Textilien, Wäsche und Keramik manifestieren.

Alle Keramiken von Anna Beam werden von ihr selbst in Handarbeit hergestellt und bemalt.

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Atelier LVDW, gegründet von Laura van de Wijdeven, ist ein in den Niederlanden ansässiges Designstudio, das sich mit der Entwicklung zirkulärer Materialien und Objekte beschäftigt. Im Mittelpunkt steht die Frage, wie Abfallstoffe durch handwerkliche Verfahren eine zweite Nutzung erfahren können, bevor sie vollständig in natürliche Kreisläufe zurückgeführt werden.

Laura van de Wijdeven absolvierte 2016 ihr Studium im Bereich Lifestyle Design an der Willem de Kooning-Akademie in Rotterdam und gründete 2017 ihr eigenes Designstudio. Sie erforscht nachhaltige, zirkuläre Materialien mit einem biophilen Ansatz. Ihre Projekte verbinden Material, Mensch und Natur und umfassen sowohl reproduzierbares Design als auch handgefertigte, experimentelle Einzelstücke.

Der Eggshell Re-Planter ist Teil dieser kontinuierlichen Materialforschung und zeigt, wie aus einem alltäglichen Reststoff ein langlebiges und zugleich biologisch abbaubares Produkt entstehen kann.

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Atelier Stella ist ein zeitgenössisches Keramikstudio, das 2012 von Stella Baggott in London gegründet wurde. Stella schloss ihr Studium in London mit einem BA in Grafikdesign ab. Während sie als bekannte Kinderbuchillustratorin arbeitete, besuchte sie vier Jahre lang Keramik-Abendkurse. Nach einigen erfolgreichen Handwerksmessen bekam ihr Hobby immer mehr Gewicht, und Atelier Stella wurde 2012 eröffnet. In Stellas Kollektionen finden sich Einflüsse von Vintage-Keramik und altertümlicher Töpferei, die die rustikale Verwendung von Mustern mit der Frivolität des Charakters vermischt. Ihr unverkennbarer Stil sind die niedlichen, aber raffiniert lächelnden Gesichter mit den langen Nasen und den gestempelten Markierungen, die jeden Topf zieren.

In sieben Jahren hat sich das Atelier von einem kontemplativen Hobby in London zu einem Atelier und Ausstellungsraum in Brighton entwickelt und ist heute eine feste Größe in der handgefertigten Keramikszene. Die Kollektion verändert sich ständig und verwendet geometrische Formen und Gestalten, um schöne, nützliche Objekte mit hohem Erkennungswert zu schaffen.

"Mein Ausgangspunkt für meine Entwürfe ist das, was mir gefällt, was ich mir für mein Zuhause wünschen würde. Ich mag Dinge, die mich zum Lächeln bringen, aber ich möchte auch, dass es stilvoll ist und in meine eigene Einrichtung passt, die, kombiniert mit Vintage-Elementen, recht modern ist. Ich bin ein großer Fan von Keramiken aus Cornwall und Italien aus der Mitte des Jahrhunderts wegen ihrer kühnen Verwendung von Textur und Mustern und liebe auch die klaren Linien und die Einfachheit des skandinavischen Designs - ich glaube, meine Arbeit spiegelt all diese Einflüsse wider. Meine Mutter ist Floristin und Künstlerin, die meine künstlerische Seite und meine Liebe zur Natur immer gefördert hat. Ich denke, ihr Einfluss ist der Grund, warum ich meine Töpfe immer mit Pflanzen und Blumen gestaltet habe - viele davon stammen aus ihrem Garten.
Alle meine Arbeiten sind handgefertigt und aus Steinzeug-Tonplatten modelliert, manchmal kombiniere ich auch schlickergegossene Kugeln oder Kneiftöpfe. Die Form ist ein wichtiges Element für mich, und ich liebe es, starke geometrische Formen als Ausgangspunkt zu verwenden. Meine Ideen morphen und verändern sich oft während meiner Arbeit. Gewöhnlich stelle ich eine Reihe von Formen und Röhren aus Ton her und verbinde sie dann miteinander oder füge Arme hinzu, um Figuren zu schaffen. Ich mag es nicht, Ton in der Taille zu befestigen, so dass Stücke, die von einem Entwurf abgeschnitten werden, vielleicht zu einem eigenen Stück werden. Die Stücke werden dann vor dem Schrühbrand einzeln von Hand gestempelt. Beim Glasieren halte ich mich an eine einfache Platte aus Weiß, Türkis und Blautönen und spiele mit Texturen überlappender Glasurreaktionen und unglasierten Oberflächen, um Interesse zu wecken".

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Laura Philippon ist Kunsthandwerkerin, Designerin und Gründerin von Ceramics By Laura. In ihrem Atelier in Montpellier entwickelt sie sorgfältig Gebrauchs- und Dekorationsgegenstände in kleinen Serien. Jede Kollektion ist durch eine eigene plastische Sprache geprägt, die es ihr ermöglicht, die Objekte auf minimalistische Weise zu variieren und ihnen eine unverwechselbare Ästhetik zu geben. Die Henkel ihrer Werke dienen als grafische, ornamentale und funktionale Elemente, die jedem Stück eine besondere Note verleihen.

Laura arbeitet bevorzugt mit monochromen Farbpaletten, wodurch ihre Kreationen eine klare und harmonische Wirkung entfalten. Besonders fasziniert ist Laura von traditionellen und althergebrachten Töpferformen, die sie in ihre zeitgenössischen und geometrischen Designs integriert. Ihre Arbeiten sind stark von der Ästhetik der Bauhaus-Schule inspiriert, während Laura gleichzeitig ihre mediterranen Wurzeln einfließen lässt. Diese Kombination aus traditionellem Handwerk und modernem Design verleiht ihren Kreationen eine besondere Tiefe und zeitlose Schönheit.

Jedes Stück wird von Laura an der Drehscheibe aus Steingut in Handarbeit gefertigt. Die Glasuren werden von ihr selbst hergestellt. Alle Keramiken werden bei hohen Temperaturen gebrannt, um die gewünschte Qualität und Beständigkeit zu erreichen.

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Die Terrakotta-Töpferwaren von Colombian Boho werden in einem kleinen Dorf im Zentrum Kolumbiens hergestellt, das Ráquira heißt. Ráquira bedeutet wörtlich "pueblo de ollas" oder "Dorf der Töpfer". 

Die Herstellung von Töpferwaren hat in Ráquira eine jahrhundertelange Tradition, da es in dieser Gegend natürliche Tonvorkommen gibt. Diese Art von Ton ist in keinem anderen Teil Kolumbiens zu finden. Schon bevor die Spanier nach Kolumbien kamen, waren die einheimischen "Muiscas" für ihre Töpferwaren und Keramiken berühmt. Man hat in der Gegend Keramikstücke gefunden, die bis 8000 vor Christus zurückreichen! Aufgrund des indigenen Erbes wurde das Handwerk von Generation zu Generation weitergegeben, und bis heute leben mehr als 80 % der Einwohner der Stadt von diesen handwerklich gefertigten Töpfen. Jede Handwerkerfamilie hat ihre eigene Keramikwerkstatt, die direkt an ihr Haus angeschlossen ist.

Die Handwerker*innen in Ráquira bauen den Ton selbst in den örtlichen Tonminen in der Nähe ab. Es gibt Minen mit schwarzem, rotem und weißem Ton. Die Gewinnung erfolgt vollständig manuell, so dass sie die Qualität des gewonnenen Materials kontrollieren können.
Danach wird der Ton getrocknet, gemahlen und zerkleinert, ihm wird Wasser hinzugefügt, danach wird er erneut gemahlen, bis er die richtige Textur hat.

Colombian Boho wurde von dem Belgier Louis Demuynck ins Leben gerufen, der mit dem Import der Töpfe aus Kolumbien die lokale Gemeinschaft der Handwerker*innen in Ráquira unterstützen möchte, um für die Menschen vor Ort bessere Perspektiven zu schaffen und die weitere Existenz ihres schönen Handwerks zu sichern.

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Coucou sind keramische Unikate, die von der Künstlerin Caroline Bertram in Berlin-Kreuzberg handgefertigt werden. Ihre erste Berührung mit dem Keramikhandwerk hatte sie 2013 in Indien, wo Caroline viele Jahre gelebt und gearbeitet hat. Eine Artist Residency am Fuße des Himalaya im Jahr 2019 inspirierte sie schließlich dazu, ihre eigene Marke coucou zu gründen.

"Coucou" bedeutet vieles - eine Begrüßung, eine Überraschung, ein Augenzwinkern, ein Ausdruck von Kuriosität. Caroline ist inspiriert von organischen Formen und (post)modernistischem Design. Ihre Arbeiten laden zu Humor und Neugier ein.

Jedes Stück wird individuell im Geiste traditioneller Techniken und Materialien geformt und bildet die Schnittmenge zwischen roher Keramik und unbeschwerten Elementen.

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Elin Fyhr, die Gründerin von Plantstraws, lebt und arbeitet in Stockholm. Mit ihrem vielfältigen Hintergrund, sie studierte Architektur und Chinesisch und machte einen Abschluss als Ingenieurin, variiert ihr kreativer Prozess zwischen neugierig, spielerisch, gelassen und wählerisch. Als Designerin versucht sie nützliche und dauerhafte Objekte zu schaffen, die man erhalten und pflegen will.

Plantstraws entstand ursprünglich bereits 2016 aus einer Panik heraus: Wöchentliche Fahrten zwischen Stockholm und Kopenhagen hatten dazu geführt, dass einige ihrer geliebten Pflanzen von Elins zerstreutem Lebensstil gerettet werden mussten. So behandelte sie sie mit einer gut erprobten technischen Bewässerungslösung kombiniert mit einer starken, beruhigenden Form.

Für Elin ist die Herkunft eines Produkts ebenso wichtig wie seine Gegenwart und Zukunft, weshalb sie sich für eine faire Herstellung und eine transparente Materialbeschaffung einsetzt. Alle Dinge werden derzeit von ihr oder ihrem Vater handgefertigt, und die Materialien werden innerhalb des nördlichen Teils der EU beschafft, um Transporte zu minimieren und eine faire Bezahlung zu gewährleisten.

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Die Designerin Foekje Fleur, geboren 1988 in Rotterdam/Niederlande, stellt funktionale Objekte aus Keramik her, die zum Nachdenken anregen sollen. Ihre farbenfrohen Designs wirken auf den ersten Blick verspielt, sind aber von ernsthaften Themen wie Umweltverschmutzung und dem Streben nach Vermeidung von Plastikmüll inspiriert.

Das Flaschenvasenprojekt begann 2009, während ihres Designstudiums an der AKV St.Joost in Breda, nachdem Foekje Fleur etwas über Plastiksuppe gelesen hatte. Diese Plastiksuppe ist ein Gebiet im Nordpazifik, auch bekannt als „The Great Pacific Garbage Patch“, das sich durch außergewöhnlich hohe Konzentrationen von Kunststoffen aus aller Welt auszeichnet, die dort durch die zirkulierenden Strömungen eingeschlossen wurden. Foekje Fleur machte sich auf den Weg und schaute sich den Fluss Maas, der durch ihre Heimatstadt fließt, genauer an und fand Plastikmüll, der sich dort seit den 1960er Jahren angesammelt hatte.

Aus den Plastikflaschen die Foekje findet stellt sie Formen her, in die pigmentiertes, flüssiges Porzellan gegossen wird. Nach dem Trocknen wird die Flascheninnenseite bleifrei glasiert und bei 1300 ºC gebrannt. Indem sie haltbare Porzellankopien der gefundenen Plastikflaschen anfertigt, versucht Foekje Fleur auf das wachsende Problem der Verschmutzung durch Plastikmüll aufmerksam zu machen.

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Alles begann mit einem Übertopf für seine damalige Freundin.

Isaac Nichols, der Gründer des New Yorker Keramikstudios "Group Partner" ging sieben Jahre lang zur Kunsthochschule, und jobbte nebenbei in einer Restaurant- und Bardesign-Firma. Um neben dem krampfhaften Versuch Künstler zu werden ein bisschen Spaß zu haben, begann er sich selbst das Töpfern beizubringen und begann mit der Herstellung von Übertöpfen.Er wollte nicht, dass sie irgendetwas mit Kunsttheorie oder Ähnlichem tun hatten - er wollte einfach nur gestalten und Spaß haben. So entstand auch der Topf mit den Brüsten.

Eines Tages stellte er ein Bild der Töpfe auf Instagram ein, und viele Leute fingen an, das Bild zu "liken". Er startete kurzerhand einen Flohmarkt und verkaufte seine Übertöpfe. An diesem Tag verdiente er 300 Dollar und dachte: "Das ist verrückt. Vielleicht könnte ich das als meinen Job machen."

Seit ihrem Debüt im Jahr 2013 sind die Töpfe in den angesagten Schaufenstern allgegenwärtig geworden, sowohl in New York als auch darüber hinaus. Zu den Bekanntesten zählen Keramiktöpfe, die Brüste nachahmen, jedes mit einem handbemalten Outfit geschmückt, und seine berühmten Gesichtstöpfe: Adam, Rory oder Pat. Und auch der männliche Torso, bekleidet mit einer engen Speedo, hat es in die Kollektion geschafft.

©Foto: coveteur.com 

https://coveteur.com/2016/11/28/group-partner-founder-isaac-nichols-interview-ceramic-pots/

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Hey Mimi Studio ist ein Projekt von Monika Śląska – einer Keramikerin, Fotografin und angehenden Schmuckdesignerin aus Polen, die derzeit in Krakau lebt. Das Studio entstand aus dem Wunsch heraus, Farbe in ihr Leben zu bringen und diese mit anderen zu teilen, indem sie lebendige Objekte kreiert, die schlichtweg Freude bereiten.

Die Grundlage von Hey Mimi Studio ist die Überzeugung, dass schöne Dinge die Kraft haben, die Stimmung aufzuhellen. Sowohl kleine als auch große Objekte, die mit Sorgfalt und Liebe zum Detail hergestellt werden, können den Alltag begleiten und ihn ein wenig besonderer machen.

Jedes Stück von Hey Mimi Studio wurde mit einem Bezug zu alltäglichen Momenten entworfen – dem Morgenkaffee, Gesprächen am Tisch oder einem ruhigen Moment für sich selbst, wie zum Beispiel bei der Pflege von Pflanzen.

In ihren Arbeiten lässt sich die Künstlerin von ihrer Verspieltheit leiten und verwendet weiche Formen, intuitive Glasuren und ungewöhnliche Farbkombinationen, um eine Vielzahl von Emotionen zu wecken.

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Hanni Schermaul ist eine in Berlin lebende Keramikerin. Unter dem Namen Komito Ceramics entwirft sie Alltagsgegenstände, Wandskulpturen, Ton-Collagen sowie Einrichtungs- und Kunstobjekte.

Ihre Arbeit konzentriert sich auf Steinzeug und erforscht die materiellen Möglichkeiten verschiedener Tonarten, wobei ein besonderer Schwerpunkt auf farbigem Ton liegt. Ihre Objekte bestehen in erster Linie aus Platten aus verschiedenen Steinzeugtonarten, die geschichtet und dann zu ihrer endgültigen Form modelliert werden. Sie verwendet Techniken wie Nerikomi, Inlay, Slab Building und Pinching, wodurch Struktur, Oberfläche und Farbe im Prozess gemeinsam entwickelt werden. Jedes Objekt ist handgefertigt und ein Unikat.

Komito Ceramics ist inspiriert von Collagen – sowohl als visuelle Referenz als auch als Arbeitsmethode –, von der abstrakten Malerei der Nachkriegszeit und von natürlichen Formationen. Insbesondere geologische Schichten dienen als ständiger Bezugspunkt und beeinflussen die mehrschichtigen Kompositionen und Materialkontraste, die ihre Arbeit charakterisieren.

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Louise Madzia ist eine unabhängige Designerin und Produzentin, die sich auf Keramik spezialisiert hat. Sie lebt und arbeitet in Buckinghamshire, Großbritannien. Ihre Arbeit basiert auf dem Zeichnen und kombiniert einfache Keramikgefäße mit ihren spielerischen Illustrationen. Vor ihrem Abschluss an der Kingston University im Jahr 2012, wo sie Illustration und Animation studierte, besuchte Louise aus Spaß Keramik-Abendkurse und begann, ihre Zeichnungen mit der handgefertigten Keramik zu kombinieren, die sie im Unterricht herstellte.

Nachdem sie Töpfe und Teller für Freunde gemacht und ihre Fortschritte auf Instagram dokumentierte, begann sie, sich eine Basis von Kunden und Händlern aufzubauen. Sie gründete ihr Unternehmen im Jahr 2015.

Ihre Hauptkollektion wird in den Töpfereien von Stoke-on-Trent in Großbritannien hergestellt, einem Gebiet, das für sein handwerkliches Erbe bekannt ist. Louise entwirft die Formen und Illustrationen für diese Kollektion, die dann von einem Formenbauer, Drucker und einer Keramikfabrik in Stoke entwickelt und produziert werden. Jedes Stück wird von Hand gegossen und mit einem Siebdruckaufkleber versehen.

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Der Keramiker Ludvig Hyrefelt lebt und arbeitet in Lund, Schweden. Was ihn von anderen Künstler*innen unterscheidet? Er hat bei allem was er tut immer die Chemie im Hinterkopf. Denn mit einem Hintergrund in Biochemie und einem Bachelor-Abschluss in Medizin ist seine Herangehensweise sehr wissenschaftlich.

Ludvigs Ziel ist es, Objekte zu schaffen, die den Gesetzen der Physik trotzen und uns dazu bringen zweimal hinzusehen. Er überlässt gerne dem kreativen Prozess die Kontrolle. Das führt dazu, dass jedes seiner Objekte einmalig ist und sich von den anderen unterscheidet. 

Alle Objekte werden von Ludvig selbst in Porzellan gegossen und in eine Glasur nach seinen eigenen Rezepten getaucht.

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Mari Masot ist eine Keramikserie der in Amerika geborenen und in Barcelona lebenden Künstlerin und Designerin Marissa McInturff. Mit ihrem Background in Architektur und Food-Styling holt sie sich ihre Inspiration aus dem harmonischen Zusammenspiel von Natur und menschlicher Kreativität.

Die zweiteiligen Pflanztöpfe dieser Serie sind so konzipiert, dass sie die Pflanzen sowohl wörtlich als auch bildlich erheben. Ihre skulpturalen Formen verweisen auf eine Verknüpfung der Küstenlandschaft des Mittelmeeres mit der Industriegeschichte und der gegenwärtigen künstlerischen Ausprägung des Stadtteils Poblenou am Meer von Barcelona, wo Marissa lebt und sich ihr Atelier befindet.

Alle Keramiken von Mari Masot wurden von Hand von der Künstlerin persönlich hergestellt.

© Foto: Hilton Carter

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Marilyne Blais ist Creative Director, Designerin, Keramikerin und interdisziplinäre Künstlerin.

Die gebürtige Nordkanadierin lebte in Montreal, Vancouver, Toronto und New York, bevor sie vor fast drei Jahren nach Berlin zog. Dort ist sie inzwischen Teil des Keramikkollektivs "Argile Studio" in Berlin-Neukölln. Die grafische Qualität und die lebhaften Farben ihrer funktionalen Keramik werden unter anderem durch das kalifornische Design des Mid-Century, die Memphis-Gruppe, die Grafiken der 80er Jahre und tropische Gärten beeinflusst.

Der Name "Joli B", nach dem diese Übertopfserie benannt ist, bezieht sich auf den Beehive Pitcher der kalifornischen Keramikmanufaktur "Padre Pottery" aus den späten 1930er Jahren. Die geschwungenen Formen der Pflanzgefäße werden von Hand aus glattem weißem Steinzeugton auf der Töpferscheibe hergestellt. Danach wird jeder Übertopf von Marilyne Blais in einer speziellen Spritzkabine mit einem bunten, glänzenden Farbverlauf glasiert.

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Varvara Polyakova, die Künstlerin hinter "Palavara", wurde in Moskau geboren und studierte dort Gestaltung an der Universität für Druckwesen. Sie ist Mitglied des Moskauer Künstlerverbandes und der Tzeh-Illustratorengemeinschaft. Nach zehn Jahren erfolgreicher Karriere als Grafikdesignerin und Illustratorin,bei der sie unter Anderem mit kulturellen Institutionen wie dem Petr-Fomenko-Theater, dem Plakatfestival "4. Block" und dem Japanischen Kulturzentrum zusammenarbeitete, beginnt sie sich für Keramik zu interessieren.

Als sie 2011 nach Berlin umzieht, startet sie ihr erstes, eigenes Keramikatelier. Dort fertigt sie unter dem Namen "Palavara" handgemachte Kunst- und Gebrauchskeramik in sehr limitierten Auflagen an. Ihre handgemachten Keramikarbeiten sind unverkennbar von ihrer Grafikarbeit geprägt.

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Wabi Sabi - kurz gesagt: die Schönheit der Unvollkommenheit

Ein großes japanisches Zitat – und Nathalie Hildesheim, die Künstlerin hinter Piece of Clay, stimmt dem vollkommen zu und versucht diese besondere Art der Schönheit in ihren Arbeiten zu erreichen.

Seit sie vor ca. 4 Jahren von Amsterdam nach Amersfoort umgezogen ist, stellt sie in ihrem eigenen Atelier die verschiedensten Objekte her, von Übertöpfen über Geschirr bis hin zu Wandkunst. Was vor 7 Jahren als Hobby begann, ist jetzt Nathalies Arbeit, die sie sehr zufrieden und glücklich macht. Sie hört nie auf, über neue Farbkombinationen und neue Kreationen nachzudenken. Ihre Inspiration bekommt sie von überall: zum Beispiel aus der Natur, den sozialen Medien und durch die Beschäftigung mit anderen Künstlerinnen und Künstlern, die alle ihren eigenen Stil haben.

Die Arbeiten von Piece of Clay sind wunderschön unperfekt und spielen mit graphischen Elementen wie Punkte und Streifen kombiniert mit vielen fröhlichen Farben. „Ich stelle gerne Blickfänger her und versuche, so einzigartig wie möglich zu sein“, sagt Nathalie, und wir könnten es nicht besser beschreiben.

P.I. ist eine Abkürzung für "Immaterielles Erbe" (im Spanischen "Patrimonio Inmaterial") und steht für das Wissen, die Techniken und das Talent mexikanischer Gemeinschaften, die von Generation zu Generation weitergegeben werden und in den handgefertigten Produkten zum Ausdruck kommen. Das französische-mexikanische Ehepaar, das hinter P.I. - Project steckt, arbeitet dabei mit organisierten Gruppen indigener und mestizischer Gemeinschaften in Mexiko zusammen, immer auf der Suche nach dem notwendigen Wissen, das ethnische Identität schafft und sich der kulturellen Standardisierung widersetzt. Fasziniert von Mexikos Multikulturalismus wollen die Beiden diese Gemeinschaften und ihre einzigartigen, handgefertigten Stücke unterstützen und fördern.

Die "Mimbres Mixtecos" sind handgewebte Körbe aus Plastik, die von Delia und ihrer Mutter (der Familia Miguel) hergestellt werden. Die Beiden gehören den Mixteken an, einem der 61 indigenen Völker Mexikos (abgeleitet aus der Nahuatl-Sprache von Mixtecapan = „Leute aus dem Wolkenland“ oder Mixtecatl = „Wolkenvolk“).

Ihre Gemeinde, die Cuicatlan, haben ihre traditionelle Volkskunst überdacht, und sie den modernen Bedürfnissen angepasst. So verwenden sie für die Körbe neuere Materialien wie Kunststoff, um eine höhere Haltbarkeit zu gewährleisten und gleichzeitig die alte Praxis des Handwebens aufrechtzuerhalten. 

Alle Artikel von P.I.-Project findest du hier! 

Salt Studios ist eine Designermanufaktur mit Sitz in London, das 2017 von der Künstlerin Francesca Pappacoda gegründet wurde. Salt Studios legt den Fokus auf sorgfältige Verarbeitung und edle Materialien und kreiert moderne Wohnaccessoires mit handwerklichem Charakter.

Francescas malerische Ausdrucksweise, die sich an ihrer eigenen Kunstpraxis orientiert, führt dazu, dass jedes Stück - ob in sanften Pastellfarben, leuchtenden Kontrasten oder marmoriert in Blau- und Schwarztönen - ein absolutes Unikat ist.

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„Schevevazekes“ - übersetzt „krumme Vasen“ sind das Markenzeichen desbelgischen Keramikers Tom Maeseele. Als er in Brügge Keramikdesign studierte, und sie an der Uni gerade angefangen hatten von Hand Vasen zu töpfern, kam der coronabedingte Lockdown. Tom versuchte daraufhin, zu Hause genauso schöne und gerade Vasen mit einem Sockel herzustellen, entdeckte dann aber, dass die schiefen Vasen, die er dabei produzierte, viel interessanter aussahen.
Über Instagram wurde er von einem Geschäft in New York kontaktiert, das seine Vasen verkaufen wollte, und damit fing alles an. Tom hat sich als Keramiker selbstständig gemacht und inzwischen gibt es seine Vasen in Belgien, Japan, New York, Lissabon und natürlich auch bei uns in Berlin. Bald feiert er sein einjähriges Jubiläum als selbständiger Keramiker und hofft, dass er noch viele Jahre weitermachen kann.

Alle Vasen werden nach traditionellen Methoden in Krottegem, Roeselare, Belgien hergestellt. Dabei wendet er die traditionelle Akelei-Technik an. In dieser prähistorischen Technik, die vor der Erfindung der Drehscheibe entwickelt wurde und die es ermöglicht, freie Formen zu erzeugen, werden sogenannte „Coils“, das sind dicke Tonstränge, spiralförmig überlagert und aneinander gedrückt und durch die Zugabe von verdünntem Ton verbunden („Coiling“). Dann wird die Oberfläche nach und nach geglättet. So entstehen relativ dickwandige, schwere Einzelstücke, die in ihrer rustikalen Freiheit eher einer Skulptur ähneln.

Die „ProudLadies“ sind eine Hommage an unabhängige, selbstbewusste Frauen, die stolz auf sich selbst sind. Der „ShyGuy“ ist selbstironisch und ein Gegenentwurf zum klassischen Alpha-Mann.

Alle Artikel von Schevevazekes findest du hier! 

Sheyda Sabetian ist Grafikdesignerin und Illustratorin, geboren und aufgewachsen in Guatemala-Stadt. Sie zog 2017 nach Berlin, wo sie derzeit in einem internationalen Start-Up arbeitet und auch freiberuflich tätig ist. Vor kurzem startete sie auch eine handgefertigte Schmucklinie. 

Ihre Illustrationen versuchen, die ganze Schönheit der Frauen in ihrer Vielfältigkeit widerzuspiegeln. Ihre Kernbotschaft ist, dass es keine Rolle spielt, woher wir kommen oder welche Kleidergröße wir kaufen, wir alle besitzen eine einzigartige Art von Schönheit.

Sheyda Sabetina ist die erste Künstlerin, mit der wir zusammen eine Baumwolltasche in limitierter Auflage produziert haben. 

Alle Artikel von Sheyda Sabetian findest du hier!

Das Studio MĀLS* ist ein Atelier für Keramik, das sich durch eine minimale, aber feine Ästhetik auszeichnet. Das 2014 von der Töpferin Nata Pestune gegründete Studio wurde als Ort der Entschleunigung, der Verbindung und der Herstellung schöner und sinnvoller Gegenstände für den täglichen Gebrauch geschaffen. Jedes Stück wird von Hand gefertigt, wobei in erster Linie die traditionellen Techniken des Drehens auf der Töpferscheibe und des Schlickergießens verwendet werden.

Nata's Reise begann während eines fast zweijährigen Aufenthalts in China, wo sie in die Sprache, Kultur und Kunst des Landes eintauchte. Von dort stammen viele der Inspirationen für ihre Arbeit, die einen reichhaltigen Erfahrungsschatz für ihren kreativen Prozess darstellt.

Heute liegt ihr Schwerpunkt auf der Kreation von unverwechselbaren Gegenständen für den gedeckten Tisch, die sie in einzigartigen Kollektionen für die gehobene Gastronomie und Sternerestaurants sowie für private Sammler herstellt.

Unter Verwendung von Steingut und Porzellan als Hauptmaterialien entwickelt Nata verschiedene Kollektionen und experimentiert gelegentlich mit neuen Farben durch Ton und Glasuren, um einzigartige Stücke zu schaffen.

Natas Hauptaugenmerk liegt auf der Verschmelzung der Schönheit von Einfachheit und Funktionalität. Die Farben werden auf ein Minimum beschränkt, so dass die Form und die natürlichen Töne des Tons für sich selbst sprechen und auf subtile Weise mit der Umgebung interagieren können, in der sie sich befinden.

*Aus dem Lettischen, geschrieben als „māls“, was Ton bedeutet.

Alle Artikel von Studio MĀLS findest du hier!

Charlotte Talbot ist die Gründerin von Super Ceramics, einem Keramikstudio mit Sitz in der Vendée, Frankreich. Ihre Reise in die Welt der Keramik begann 2016 während ihres Mutterschaftsurlaubs in München. Zuvor hatte sie als Industriedesignerin gearbeitet, doch der Drang, mit ihren Händen zu gestalten, führte sie dazu, das Arbeiten mit Ton zu erkunden.cOhne eine formale Ausbildung in Keramik eignete sich Charlotte ihre Fähigkeiten autodidaktisch an. Sie begann mit einfachen Techniken und entwickelte nach und nach ihren ganz eigenen Stil. Ihre Stücke zeichnen sich durch klare Linien, funktionales Design und sanfte, natürliche Farbtöne aus.

Charlotte Talbot Super Ceramics als Ein-Frau-Unternehmen aus ihrem Atelier in der Vendée. Dort fertigt sie jedes Stück in kleinen Chargen, um eine hohe Qualität und Individualität zu gewährleisten. Ihre Werke werden weltweit geschätzt und finden sich in Geschäften und privaten Sammlungen wieder.

Trotz der wachsenden Nachfrage bleibt sie ihrem Konzept treu: handgefertigte, langlebige Keramik zu produzieren, die den Alltag verschönert. Sie setzt auf Nachhaltigkeit, indem sie ressourcenschonend arbeitet und auf industrielle Massenproduktion verzichtet.

Charlotte bevorzugt die traditionelle Plattentechnik, bei der Tonplatten geformt und zusammengesetzt werden, anstatt mit der Töpferscheibe zu arbeiten. Diese Methode verleiht ihren Produkten eine subtile Unregelmäßigkeit, die ihren Charme ausmacht. Ihre Farbpalette ist von sanften, erdigen Tönen geprägt, die die natürliche Schönheit des Materials unterstreichen. Ihr Ziel bleibt es, einzigartige, funktionale und zeitlose Keramikstücke zu schaffen.  

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Camilla und Holly die beiden Gründerinnen von „The Basket Room“, lernten sich während des Modedesignstudiums an der Kunsthochschule in London kennen. Zusammen beschlossen sie, kunstvolle und lokal gefertigte Dekorationsartikel aus Kenia, dem ostafrikanischen Zentrum der Kreativität, zu beziehen.

Das Korbflechten ist ein Handwerk, das so alt ist wie die Menschheit. Seit Jahrtausenden bindet und flechten Völker Naturfasern und produzieren Gefäße aller Formen und Größen für den Handel, die Lagerung und den Transport von Waren. Anthropologen haben Beweise für Korbflechterei gefunden, die unter den Pyramiden des alten Ägypten vergraben sind, und mit Hilfe von Forschern, die seit Jahrhunderten die Welt bereisen, haben verschiedene Methoden und Stile der Korbflechterei alle Ecken der Welt erreicht."The Basket Room" unterstützt Frauen, die ihren kostbaren Beruf ausüben, wie es ihre Mütter, Großmütter und Urgroßmütter ihnen beigebracht haben. Der Kauf der Körbe von "The Basket Room" trägt dazu bei, dass Töchter und Enkeltöchter weiterhin flechten und weiterhin von den fairen Löhnen und würdigen Arbeitsbedingungen profitieren, die durch die Arbeit in einer Genossenschaft entstehen.

Alle Produkte von "The Basket Room" findest du hier!

Marie Chanteur, ist eine französische Illustratorin und autodidaktische Keramikerin, die es nach Stockholm verschlagen hat und dort lebt und arbeitet. 2017 gründete sie ihr Label Wobbly Studio. Marie liebt es, Sachen zu machen und sich in kreative Abenteuer zu stürzen. Mit ihrem grafisch spielerischen Stil macht sich Marie in ihrer Arbeit gerne über die Unvollkommenheiten des Menschen lustig, denn damit kann sich, ihrer Meinung nach, jeder und jede identifizieren. Eine krumme Nase, ein schielendes Auge, schlaffe Brüste....gemischt mit ein paar Flüchen. Das ist es, was die Menschen für Marie interessant macht und sie inspiriert.

"Ich versuche immer, meine illustrative Arbeit in die dritte Dimension zu bringen und variiere gerne die Medien, mit denen ich arbeite. Von Papier über Textilien, Keramik, Wände oder Gegenstände des täglichen Lebens. Ich möchte die Menschen dazu einladen, sich selbst (und mich selbst eingeschlossen) nicht allzu ernst zu nehmen, indem ich Objekte und Illustrationen kreiere, die das Zuhause mit einer lustigen und künstlerischen Note auflockern." Marie Chanteur

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